除了《on.my.own》之外，另外兩首歌，在前世的原作者或者說演唱樂隊，名氣就要大得多了。
simple.n和ck.veil.brides。
前者有著“加拿大五月天”之稱，這個說法多少帶著點貶義的意味在裏邊。
這支樂隊從出道起就打著流行朋克的標簽，不過後來就越來越偏向流行，朋克和搖滾的元素越來越少。
尤其是到了2013年以後，簡直不像是一支搖滾樂隊，幾乎變成了小鮮肉式的偶像組合，雖然年齡不那麽小鮮肉就是了。
這種情況，在朋克樂隊，尤其是流行朋克樂隊中很容易出現。
因為朋克追求簡單的風格，和流行有著太多的相似性，商業的元素稍稍濃一些，搖滾的味道就剩下不了多少了。
很多以朋克風格出道的樂隊，都有這樣的問題，比如fall.out.boy，simple.n，all.time.low等等。
在許多對搖滾有著執念的歌迷眼裏，這種行為是毫無疑問的背叛。
對於這種指責，實際上沒有太多站得住腳的地方。
一切僅僅隻是利益驅使，僅此而已。
有歌迷的一句話說的很中肯，時代不同了，如果不向商業妥協，堅持朋克，你連他們的歌都聽不到。
就連被譽為朋克教父的green.day，後期都開始向商業妥協，何況是其它的樂隊。
後期的simple.n如何不朋克、不搖滾，姑且不做評判。
這支樂隊至少在第一個十年裏，確實拿出了不少非常不錯的【流行朋克】作品。
這支樂隊的歌，羅傑u盤裏存有的不多。
在為數不多的幾部作品裏，羅傑挑出了《astronaut》這支單曲，加入到《怪胎》專輯中，排在第四位。
——這個排序僅僅隻是按照歌詞主題以及曲風變化來排，以保證整體的統一性，和歌曲本身在專輯中的地位或者說分量關係不大。
這首歌，或者說它原本的專輯，幾乎可以算是simple.n最後一張帶有朋克風格的專輯。
雖然流行的比重已經高得有些過分，遠遠壓過了朋克。
這一首歌出現在《怪胎》專輯裏，唯一的理由就是衝傳唱度、衝銷量，僅此而已。
雖然它多少會拉低整張專輯在硬核搖滾樂迷中的口碑，但相比於帶來的銷量提升而言，這是可以接受的代價。
畢竟這是一個商業化的時代，獨立樂隊堅持自我風格的選擇固然值得尊敬，但如果想要成名，向商業妥協，是必不可少的。
尤其是在樂隊發展的初期。
至於成名之後，地位足夠穩固，那時候想怎麽玩硬核都可以，反正會有足夠多的粉絲買單。
但很顯然的是，樂隊現在並沒有這樣的基礎。
而另一支樂隊，名氣比起simple.n來要小得多，至少在太平洋對岸的那個國家是如此。
不過在北**ck.veil.brides樂隊的知名度並不低，唱片銷量也還算不錯，是各大銷量榜單的常客，盡管從未獲得過較高的排名。
這支樂隊很有意思。
他們的樂手技術都不錯，主唱的嗓音也很有辨識度。
但整個樂隊卻有點奇怪。
後硬核的手法、流行搖滾的曲風、視覺係的造型、以及正能量的音樂理念。
就像他們樂隊的名字一樣，這是一個充滿矛盾的樂隊。
——黑色麵紗的新娘，這個名字的靈感，來源於羅馬的天主教會的修女加冕儀式。而眾所周知，羅馬的修女是禁止結婚的。
羅傑對這支樂隊，僅僅隻是喜歡他們的歌，而不是其它。
甚至於，因為樂隊的視覺係造型太過於辣眼睛，羅傑幾乎從不去看樂隊的mv。
演唱會現場要好得多，至少沒有mv重那麽辣眼睛的視覺係造型。
和simple.n的《astronaut》出現在《怪胎》專輯中的原因一樣。
《in.the.end》，這首ck.veil.brides樂隊的代表作，同樣是為了衝銷量而誕生。
這首歌也是ck.veil.brides唯一一首登上公告牌前半區的單曲，並在單曲榜單上保持了超過二十周。
盡管排名都不算高，但對於一支流行元素不那麽濃的搖滾樂隊來說，二十周的在榜時間，已經是極為難得的事了。
尤其是考慮到那是數字唱片的時代，這一點就更為難得。
這兩首歌，雖然都是為了衝銷量而放進專輯裏，但仍然需要做出符合專輯整體的改編。
歌詞方麵當然是不需要的，本身就符合專輯的主題。
——如果從專輯整體的角度來解讀的話。
最大的問題在於歌本身。
《in.the.end》還稍微好一點，雖然和另一首來自更加大牌的樂隊的同名歌曲完全不同，但整體曲風上，搖滾的比重還是很重的。
大段的吉他solo，雖然難度不高，但卻是這首歌的亮點所在。
尤其是從朋克搖滾的角度來看。
羅傑所做的很簡單，隻是稍稍加重了吉他的音量，使其不會被聲嘶力竭的人聲所蓋過。
而另一首《astronaut》，為了使其更具有“搖滾風格”，而不是變成一首純粹的“流行口水歌”，要做出的改動就更大。
首先是吉他和貝斯的失真，在羅傑的要求下，兩人選擇了顆粒感更粗、偏幹燥、力度更強的失真音色，這樣可以顯著增加這首歌所缺乏的力量感。
朋克搖滾很少像金屬搖滾那樣，使用非常強烈的失真效果。但是用得少並不代表完全不用。
事實上，任何一支搖滾樂隊，失真效果總是必不可少的。
區別僅僅隻是在於使用哪一種。
除了失真效果的調整之外，羅傑還對這首歌的唱法做出了改動。
不使用原曲那種洗腦式的流行唱法，而是運用沙啞幹澀的嘶吼，在歌詞本身與世隔絕的疏離感之外，又添加了一絲絕望的情緒。
這樣的一番改動下來，整首歌已經是麵目全非，完全變了一副模樣。
雖然還保留著原作的特點，但給人的感覺已經變得截然不同。
如果說原作裏，朋克搖滾的比重最多隻能占到百分之十五，在羅傑的調整之後，朋克搖滾元素的分量，已經超過了百分之六十。
盡管這仍然是整張專輯裏，朋克比重最低的一首歌，但也已經不再是power-pop，而是pop-punk。
《astronaut》、《on.my.own》以及《in.the.end》這三首歌的錄製，斷斷續續用去了超過十天的時間。
這個效率並不算讓人滿意，不過擺在樂隊麵前的，隻剩下最後兩首歌的錄製。
兩首慢節奏的搖滾，雖然是迷幻搖滾，但從曲風上來講，和《wish.you.were.here》有很大的相似度。
不過在那之前，樂隊首先要搞定其它的工作。
先導ep中的四部mv的後期處理和剪輯已經完成，需要樂隊參與到最終審核當中。
——雖然最終審核權在二十世紀娛樂手中，但樂隊的建議，分量也相當的重，隻要合情合理，或者說符合專輯的利益，絕不會被輕易無視。
simple.n和ck.veil.brides。
前者有著“加拿大五月天”之稱，這個說法多少帶著點貶義的意味在裏邊。
這支樂隊從出道起就打著流行朋克的標簽，不過後來就越來越偏向流行，朋克和搖滾的元素越來越少。
尤其是到了2013年以後，簡直不像是一支搖滾樂隊，幾乎變成了小鮮肉式的偶像組合，雖然年齡不那麽小鮮肉就是了。
這種情況，在朋克樂隊，尤其是流行朋克樂隊中很容易出現。
因為朋克追求簡單的風格，和流行有著太多的相似性，商業的元素稍稍濃一些，搖滾的味道就剩下不了多少了。
很多以朋克風格出道的樂隊，都有這樣的問題，比如fall.out.boy，simple.n，all.time.low等等。
在許多對搖滾有著執念的歌迷眼裏，這種行為是毫無疑問的背叛。
對於這種指責，實際上沒有太多站得住腳的地方。
一切僅僅隻是利益驅使，僅此而已。
有歌迷的一句話說的很中肯，時代不同了，如果不向商業妥協，堅持朋克，你連他們的歌都聽不到。
就連被譽為朋克教父的green.day，後期都開始向商業妥協，何況是其它的樂隊。
後期的simple.n如何不朋克、不搖滾，姑且不做評判。
這支樂隊至少在第一個十年裏，確實拿出了不少非常不錯的【流行朋克】作品。
這支樂隊的歌，羅傑u盤裏存有的不多。
在為數不多的幾部作品裏，羅傑挑出了《astronaut》這支單曲，加入到《怪胎》專輯中，排在第四位。
——這個排序僅僅隻是按照歌詞主題以及曲風變化來排，以保證整體的統一性，和歌曲本身在專輯中的地位或者說分量關係不大。
這首歌，或者說它原本的專輯，幾乎可以算是simple.n最後一張帶有朋克風格的專輯。
雖然流行的比重已經高得有些過分，遠遠壓過了朋克。
這一首歌出現在《怪胎》專輯裏，唯一的理由就是衝傳唱度、衝銷量，僅此而已。
雖然它多少會拉低整張專輯在硬核搖滾樂迷中的口碑，但相比於帶來的銷量提升而言，這是可以接受的代價。
畢竟這是一個商業化的時代，獨立樂隊堅持自我風格的選擇固然值得尊敬，但如果想要成名，向商業妥協，是必不可少的。
尤其是在樂隊發展的初期。
至於成名之後，地位足夠穩固，那時候想怎麽玩硬核都可以，反正會有足夠多的粉絲買單。
但很顯然的是，樂隊現在並沒有這樣的基礎。
而另一支樂隊，名氣比起simple.n來要小得多，至少在太平洋對岸的那個國家是如此。
不過在北**ck.veil.brides樂隊的知名度並不低，唱片銷量也還算不錯，是各大銷量榜單的常客，盡管從未獲得過較高的排名。
這支樂隊很有意思。
他們的樂手技術都不錯，主唱的嗓音也很有辨識度。
但整個樂隊卻有點奇怪。
後硬核的手法、流行搖滾的曲風、視覺係的造型、以及正能量的音樂理念。
就像他們樂隊的名字一樣，這是一個充滿矛盾的樂隊。
——黑色麵紗的新娘，這個名字的靈感，來源於羅馬的天主教會的修女加冕儀式。而眾所周知，羅馬的修女是禁止結婚的。
羅傑對這支樂隊，僅僅隻是喜歡他們的歌，而不是其它。
甚至於，因為樂隊的視覺係造型太過於辣眼睛，羅傑幾乎從不去看樂隊的mv。
演唱會現場要好得多，至少沒有mv重那麽辣眼睛的視覺係造型。
和simple.n的《astronaut》出現在《怪胎》專輯中的原因一樣。
《in.the.end》，這首ck.veil.brides樂隊的代表作，同樣是為了衝銷量而誕生。
這首歌也是ck.veil.brides唯一一首登上公告牌前半區的單曲，並在單曲榜單上保持了超過二十周。
盡管排名都不算高，但對於一支流行元素不那麽濃的搖滾樂隊來說，二十周的在榜時間，已經是極為難得的事了。
尤其是考慮到那是數字唱片的時代，這一點就更為難得。
這兩首歌，雖然都是為了衝銷量而放進專輯裏，但仍然需要做出符合專輯整體的改編。
歌詞方麵當然是不需要的，本身就符合專輯的主題。
——如果從專輯整體的角度來解讀的話。
最大的問題在於歌本身。
《in.the.end》還稍微好一點，雖然和另一首來自更加大牌的樂隊的同名歌曲完全不同，但整體曲風上，搖滾的比重還是很重的。
大段的吉他solo，雖然難度不高，但卻是這首歌的亮點所在。
尤其是從朋克搖滾的角度來看。
羅傑所做的很簡單，隻是稍稍加重了吉他的音量，使其不會被聲嘶力竭的人聲所蓋過。
而另一首《astronaut》，為了使其更具有“搖滾風格”，而不是變成一首純粹的“流行口水歌”，要做出的改動就更大。
首先是吉他和貝斯的失真，在羅傑的要求下，兩人選擇了顆粒感更粗、偏幹燥、力度更強的失真音色，這樣可以顯著增加這首歌所缺乏的力量感。
朋克搖滾很少像金屬搖滾那樣，使用非常強烈的失真效果。但是用得少並不代表完全不用。
事實上，任何一支搖滾樂隊，失真效果總是必不可少的。
區別僅僅隻是在於使用哪一種。
除了失真效果的調整之外，羅傑還對這首歌的唱法做出了改動。
不使用原曲那種洗腦式的流行唱法，而是運用沙啞幹澀的嘶吼，在歌詞本身與世隔絕的疏離感之外，又添加了一絲絕望的情緒。
這樣的一番改動下來，整首歌已經是麵目全非，完全變了一副模樣。
雖然還保留著原作的特點，但給人的感覺已經變得截然不同。
如果說原作裏，朋克搖滾的比重最多隻能占到百分之十五，在羅傑的調整之後，朋克搖滾元素的分量，已經超過了百分之六十。
盡管這仍然是整張專輯裏，朋克比重最低的一首歌，但也已經不再是power-pop，而是pop-punk。
《astronaut》、《on.my.own》以及《in.the.end》這三首歌的錄製，斷斷續續用去了超過十天的時間。
這個效率並不算讓人滿意，不過擺在樂隊麵前的，隻剩下最後兩首歌的錄製。
兩首慢節奏的搖滾，雖然是迷幻搖滾，但從曲風上來講，和《wish.you.were.here》有很大的相似度。
不過在那之前，樂隊首先要搞定其它的工作。
先導ep中的四部mv的後期處理和剪輯已經完成，需要樂隊參與到最終審核當中。
——雖然最終審核權在二十世紀娛樂手中，但樂隊的建議，分量也相當的重，隻要合情合理，或者說符合專輯的利益，絕不會被輕易無視。